El más importante de los muchos proyectos que Raúl Ruiz emprendió en Italia, durante los años 90, es una extrañísima excursión en los terrenos de la ortodoxia cristiana, repleta de falsos peregrinos, milagros que son trucos de luz y personajes que no ocultan su apariencia de estatuas: se trata de la religión de los cristianos, pero observada por alguien que bien podría ser un extraterrestre.
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Invitado por la Embajada Francesa en Bogotá para realizar un taller, Ruiz tuvo la rara ocasión de encontrarse con un igual: Luis Ospina, uno de los miembros del legendario y rebelde Grupo de Cali. Junto a él y sus alumnos confeccionó este cortometraje, solitario episodio suelto de una teleserie inexistente, tan neurótica como impostada. Mirada a décadas de distancia, es una muestra perfectas del método de trabajo ruiciano, aplicado a la sala de clases, cuando en vez de abocarse a la teoría nuestro cineasta propone algo diferente: hacer una película aquí y ahora.
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En 1993 y en plena confección de la instalación "Todos los males del mundo", Raúl Ruiz utilizó algunas de sus reflexiones al respecto para confeccionar un extraño y esotérico cortometraje acerca del dogma católico. Vaya cómo cuesta penetrar al interior de estas imágenes presuntamente inspiradas por las visiones del místico Emmanuel Swedenborg. Quizás no haya que encontrarles un significado en particular. Quizás haya que entregarse a su sinsentido.
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En 1992, Raúl Ruiz filmó no una sino tres películas: A TV Dante, Basta la palabra (que quedó inconclusa) y este breve filme encargado para el Channel 4 británico, y que el realizador completó tras su regreso a París. La excusa inicial era referenciar a un célebre poema de Luis de Góngora, pero la intención de fondo era otra: se trata de un trayecto directo al Chiloé de la infancia del realizador; una travesía hacia mitos, supersticiones, relatos orales y sueños espectrales articulados ya no en clave de viaje de ida sino como una ruta de regreso. Ruiz dando la …
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Convocado a finalizar un trabajo sobre la Divina Comedia que el británico Peter Greenaway había dejado interrumpido, Ruiz ilustró el Infierno en seis cortometrajes, ambientándolo nada menos que en Chile. En el filme —1992, en los primeros años de la transición a la democracia— su Virgilio (Fernando Bordeau) y su Dante (Francisco Reyes) recorren este territorio alucinado apelando a tradiciones, paisajes, comidas y horrores locales que resultarán familiares a los chilenos del presente, del pasado y también del futuro. Para decirlo suavemente, la imagen que el director arroja de nuestro país no es muy tranquilizadora.
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Acostumbrado durante años a hacer películas con presupuestos y plazos mínimos, Ruiz aprovecha al máximo la primera oportunidad que la industria europea le concede en casi una década para filmar las bizarras aventuras de un detective de milagros, perseguido y acosado por escenarios de pesadilla. Su compinche en la aventura fue nada menos que John Hurt, quien alimentó en el realizador a exhibir sin restricciones una faceta que —aunque parezca extraño— casi siempre dejaba oculta: su poderosa vocación cinéfila.
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A principios de 1990, Raúl Ruiz llega a Chile y sorpresivamente comienza a rodar su primera película en el país, en 17 años. La energía y efervescencia desplegadas durante la filmación —magníficamente captadas por el documental Exote, de Pablo Martínez— refuerza la enigmática premisa imaginada por el realizador: la idea de un país cuyas teleseries acaban por cuestionar, comentar y reemplazar la propia realidad. Todo, sin embargo, quedó en suspenso ya que Ruiz nunca completó el film. Recién en 2017, tras un extenso proceso de postproducción conducido y co-dirigido por Valeria Sarmiento, La telenovela errante ve la luz , abriendo …
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Filmando en Nueva York, a fines del otoño de 1989, Raúl Ruiz se sentía energizado y vaya cómo se nota eso en las imágenes de este cuento de vampiros que circulan por el ambiente universitario y artístico de Manhattan. Después de pasar varios años circulando por la periferia del cine francés, nuestro cineasta arriba con total confianza a uno de los polos culturales del fin de siglo y se siente como en casa: libre para dejar volar y reptar su imaginación.
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Comisionado para realizar uno de los tantos films conmemorativos sobre los 200 años de la Revolución Francesa, Raúl Ruiz no respondió con épica, patriotismo ni relecturas históricas, sino con un teatral diálogo entre dos amigos —el rey Luis XVI y el arquitecto Pierre-André Pâris— acerca de lo humano, lo divino, lo político y lo estético. El resultado es menos una película que una especulación sobre ideas bajo perpetua revisión, discutidas en un plano que no es real ni ficcionado sino Ruiz, aventurándose como siempre al borde mismo de lo cinematográfico.
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Accidentado en el barco donde debía filmar un corto para un film de episodios, un malherido Raúl Ruiz se vio obligado a supervisar desde lejos las imágenes de la expedición captadas por su camarógrafo para convertirlas durante el proceso de montaje en la última de sus "películas marinas" de la década del '80: un relato casi sin humanos, dominado por arrebatos espectrales, espacios vacíos y formas abstractas.
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El demencial texto del iraní Sadiq Hedayat parece haber acompañado a Raúl Ruiz por largo tiempo antes que este asumiera el desafío de adaptarlo a la pantalla y entregar así el que bien puede ser su film más laberíntico y arriesgado. El realizador se juega todo en este relato donde la vida emerge como ficción y lo que está en pantalla se despliega a través de lo real, convirtiendo a esta película —que pasó totalmente desapercibida al momento de su estreno— en una obra maestra, que siempre estará por delante de su audiencia, siempre en el futuro.
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En su rol de persistente adaptador de obras teatrales, Raúl Ruiz siempre encontró una forma de romper el molde y escaparse para hacer de las suyas, sobre todo en su versión para esta pieza de Arthur Adamov, donde todos los actores de la compañía van turnándose en el rol protagónico -el profesor Taranne-, un académico cuya autoridad no sólo es cuestionada sino que disuelta al completo en otras apariencias, otras voces y otros rostros.
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Fiel a su modus operandi de transformar todo lo que llegaba a sus manos, Ruiz tomó lo que le interesaba de La vida es sueño y con ello fabricó una alucinada fábula acerca un profesor chileno que visto en la necesidad de aprender las identidades de 15 mil militantes de su partido las "esconde" en los versos de la obra de Calderón de la Barca. La premisa, digna de un thriller sicológico, es el punto de partida de una reflexión acerca de la memoria, de los ideales y los fantasmas que ésta aloja. Espectros que se despiertan en este filme de ambición …
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Aliado con el coréografo Jean-Claude Gallota, Ruiz tuvo mano libre para explorar cuánto cambia una obra montada sobre un escenario (en este caso, una pieza de ballet contemporáneo) cuando es traspasada a la pantalla. En su versión mucho del argumento y el planteamiento original se va por la borda, pero lo que emerge su lugar —un conjunto dinámico de cuerpos, formas y sombras, en permanente estado de tensión y estasis— se para por sí solo, y agrega nuevos terrenos al amplio abanico estético de nuestro realizador.
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Realizada al final de un frenético período de tres años en el que dirigió 15 películas, este debe ser el primer filme en el que efectivamente se percibe a un Raúl Ruiz agotado, en actitud de pausa, como si estuviera tratando de avistar pronto la línea de meta para, por fin, parar un instante. ¿Qué pasó? Bueno, la audacia —la locura, dirían algunos— de dirigir cinco proyectos cada temporada, la necesidad de soltar lastre creativo para poder mirar nuevos horizontes, el coraje de perseguir sus propios demonios, aunque estos le ganen la partida. Eso le ocurre a Ruiz cruzando el …
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En 1984, Ruiz firmó contrato para filmar su versión de La isla del tesoro para Cannon Films. Lo que a la compañía estadounidense nunca le quedó claro es que era "su versión" y no una adaptación; el resultado casi naufragó el film, que se las arregló para sobrevivir y dar vuelta de cabeza el clásico de Stevenson. Es claro que, en medio de todo ese caos, a Ruiz se le va la cinta de las manos, pero lo que está en pantalla da testimonio de que para el director ningún texto, personaje o autor fue sagrado. Jamás.
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A medida que los años ochenta avanzan, las películas de Raúl Ruiz se vuelven más y más extrañas. Justo en medio de la década se ubica esta adaptación libre de un diario de viajes del conde polaco Jan Potocki, acerca de una mano cercenada que va conduciendo a su dueño a través del mundo. Sin tiempo para cuestionarse si lo que está contando es un relato fantástico, una historia de horror o una tomadura de pelo, Ruiz dirige esta alucinación apelando al ilusionismo, pero pensando en todo momento cuál será el truco que quiere hacer a continuación.
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Ambientada en en el Principado Rock de Grenoble, en el preciso momento de la elección de su nuevo rey, esta alucinación cómico-musical de Ruiz es consecuencia directa de su obsesión por el teatro, su progresiva alianza con diversos centros culturales de región y el interés por el naciente formato del videoclip. Dicho lo anterior, Régimen sin pan no es exactamente un musical: usa las estrambóticas canciones del dúo Angel & Maimone como telón de fondo, como persuasivo divertimento y, en último término, como escenario de las propias pesadillas y delirios de su director. ¿Por qué no nos extraña?
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¿Cuál era el objetivo último que Raúl Ruiz perseguía al narrar las aventuras de Manoel? Al llegar al tercer y último capítulo de su serie de TV, creemos que las piezas sueltas de este gran puzzle —la posibilidad de una velada autobiografía, el monstruoso catálogo de temores y fobias infantiles, los coqueteos con el género fantástico y el horror, y esa fuerte pulsión contestataria (anti familia y anti escuela) que cruza el relato de principio a fin— son acaso la muestra más acabada de lo que este realizador de 43 años era por entonces: un talento, por más que intentaba controlar sus …
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De cara al segundo episodio de su serie portuguesa, Raúl Ruiz redobla las apuestas y las pesadillas de Manoel. En adelante, su pequeño protagonista caerá víctima de sueños grupales, intercambiará mágicamente su cuerpo con el de un adulto, será expulsado del hogar, es llevado donde una horrorosa tía y conoce a una niña genio que le inspirará aún más miedo. Un cúmulo de fantasmas y espantos que se apilan sin cesar: así es esta Isla de las Maravillas.
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El incansable Raúl Ruiz de 1984 no sólo encontró tiempo para filmar películas, cortometrajes y cubrir festivales de teatro, además filmó en la alejada isla de Madeira su primera serie de ficción: las andanzas de un chico de siete años en un mundo donde la vida de la imaginación disputa palmo a palmo con fantasmas familiares y escolares que hacen de nuestro protagonista una figura en permanente fuga, de una aventura (y de una pesadilla) a otra. Esta es la primera entrega de tres, dedicada a las correrías del joven Manoel da Silva. Disfruten.
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Comisionado por el INA para hacer un registro de la edición 1983 del Festival de Teatro de Avignon, Raúl Ruiz discurre una premisa mucho más interesante que la simple filmación de un documental: un actor sin trabajo viaja al evento para ver unas cuantas obras y también a sus amigos, pero se deja atrapar por el vórtice que confunde los hechos de la vida con esa misma vida representada en un escenario. En ese espacio intermedio donde todo se revuelve, Ruiz encuentra -como siempre- el germen de una nueva y desbordada ficción.
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En parte para entretenerse y en parte para continuar experimentando sin parar junto a uno de sus colaboradores más audaces, Raúl Ruiz filmó este brevísimo documental del fotógrafo Henri Alekan en acción. A primera vista, no se trata más que de pruebas de cámara e iluminación, pero el germen de la ficción está en todas y cada una de estas secuencias que pujan y empujan para mandarse solas.
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Como hemos ido viendo, Raúl Ruiz disfrutaba a fondo desafiando las expectativas de sus espectadores y girando en 180 grados cada vez que podía. Uno de los saltos más radicales se produjo en Portugal a fines de 1983, cuando ayudado por el productor Paulo Branco se apartó de sus coloridos delirios marinos para dirigir un insólito y minúsculo thriller en blanco y negro. Según él, era su versión de una road movie, pero una sin autos, carretera o kilómetros recorridos.
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Como si la experiencia de Las tres coronas del marinero lo hubiera dejado con gusto a poco, en la película que filmó a continuación Raúl Ruiz redobló su exploración en los límites del género fantástico y el cine de aventuras. Eso sí, tanto crítica como público pasaron de largo; en lo que a ellos concernía La ciudad de los piratas apenas si existió. Al director no podía importarle menos: estaba demasiado ocupado dejando correr libre su torrente de imaginación.
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En lo que respecta a la carrera Raúl Ruiz en el cine francés, hubo un antes y un después de Las tres coronas del marinero. Película abrazada por el público —la vieron más de cien mil espectadores, un récord para el cineasta— y sobre todo por la crítica (Cahiers du cinéma le dedicó un número especial al director y a la obra), no fue, sin embargo, una cinta muy apreciada por su autor. ¿A qué viene esa desafección? Tal vez porque mucho de lo que Ruiz ya había trabajado en su periplo está contenido aquí, en versión magníficamente concentrada, y él, …
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Al inicio de su fecunda colaboración con el Festival de Teatro de Avignon, Raúl Ruiz intenta una suerte de imposible: adaptar una de las piezas más importantes del teatro clásico francés. "Meterse con Bérénice es cosa seria", dijo más tarde el dirtector, que aún así se lanza de cabeza a recrearla en clave de historia de fantasmas, ruina cultural, número de magia y obra en progreso. Un intento que no parece preocupado de alcanzar la gloria o de estrellarse en el fracaso, sino de sentir a fondo la libertad de crear.
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Con cada nueva colaboración televisiva, Ruiz va ampliando su mundo y dando cauces a toda clase de ideas, impresiones, obras, frases sueltas y piezas que despierten su curiosidad. Este corto, creado en 1982 para un programa en torno al mundo botánico, bien puede ser el ejemplo perfecto de que -para el director- todo puede convertirse en relato. El ocio. Las plantas. Los estados de ánimo. Todo.
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Ruiz vuelve a Chile en 1982, después de casi diez años de exilio, y filma una buena cantidad de material con una cámara Super 8: la casa de sus padres, el barrio, el Mapocho, la Alameda e incluso el jardín de su hogar de infancia, en Quilpué. Meses más tarde, ya de vuelta en París, los usa como materia prima para un corto en forma de carta que pasará por televisión. Así, su colección de imágenes se convierte en una búsqueda detectivesca que luego se transforma en un sueño alucinado, liberando multitud de recuerdos que regresan con nostalgia y emoción. …
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Usando toda clase de encargos para sus propios fines, el Ruiz de principios de los años 80 aprovechaba de testear los límites de la imagen -y de su imaginación- a cada paso. Un perfecto ejemplo es este ultra denso corto donde sólo divisamos sombras proyectadas en paredes y otras superficies. En teoría se trata de figuras abstractas puestas allí para representar un catálogo de situaciones dramáticas, pero -como ya nos hemos acostumbrado con Ruiz- esto contiene un verdadero torbellino. Narrativo, fílmico y moral.
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Realizado a toda velocidad y con la intensidad de un poseído, el film holandés de Ruiz es una suerte de crisol entre el firme proceso de europeización que su cine experimentaba tras el cambio de década, unas raíces chilenas que resurgían de manera tan primal como salvaje y la alucinada fotografía de Henri Alekan, quien une todo sirviéndose de pura luz e imaginación. Vaya prodigio éste.
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Propuesto como proyecto a Roger Corman -quien abandonó el buque antes de zarpar-, el primer largo en inglés de Ruiz en más de una década es una extraña mezcla de parábola antiburguesa, delirio expresionista y horror caníbal. Es fácil reconocer en la película ciertas obsesiones previas del cineasta, pero gran parte de su esfuerzo está concentrado en perderse en el bosque con esos personajes y buscar ahí certezas, ahogarse en dudas, allanar nuevos caminos. Voluntariamente. A ciegas.
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Con unos pocos meses de distancia, Ruiz tuvo la oportunidad de aplicarse a dos cortos sobre arquitectura. El primero -acerca de un suburbio creado, a partir de la nada, en las afueras de París- es la rara película donde nuestro realizador apenas deja en pantalla su huella creativa. El otro, sobre un arquitecto cuyo pasatiempo veraniego es construir castillos de arena en la playa, es el vehículo perfecto para un Ruiz que ya se había acostumbrado a construir sus propios castillos en celuloide. Imagen de arena es una metáfora perfecta acerca del delirio de la creación, pero también de su fragilidad.
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En este viaje por las películas del maestro nada nos preparó para algo como L'or gris: un documental en extremo convencional acerca de la investigación científica vista desde una perspectiva económico-política. Apenas está presente aquí la mirada autoral de nuestro director, en parte por lo técnico del tema y en parte por lo fascinante de observar —cual miembro de la audiencia— a los cuadros científicos enfrascados en una lucha de poder. Insólitamente, la película nunca fue exhibida por la televisión francesa. ¿Habrá sido por lo técnico de su contenido o por lo espeluznante de sus conclusiones?
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¿Qué haces cuando te invitan a crear unos micrometrajes para formato rarísimo de TV? En su ocupadísimo 1980, Raúl Ruiz encontró tiempo para colaborar con el INA aportando los filmes más breves de su carrera, y cómo no: aprovechó de experimentar al máximo con imágenes palindrómicas, personajes ocultos e historias que se transforman cuando se reemplaza su pista de sonido... Los téletests de Ruiz son travesuras audiovisuales y, al mismo tiempo, certeros ejercicios en torno a la percepción.
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Ruiz comenzó su breve aunque intensa relación con el Centre Pompidou creando una película complementaria a una exhibición de mapas, pero en el camino la convirtió en su propio filme de aventuras: media hora donde el personaje central convierte su vida en un juego de tablero, y éste se transforma en un laberinto, el laberinto en ciudad, la ciudad en país, y así hasta abarcar el universo entero en una tirada de dados.
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Al tomar prestadas secuencias de viejos telefilmes transmitidos en las décadas del 50 y el 60 y combinarlas con audios de niñas leyendo textos de diversos manuales escolares, Raúl Ruiz elaboró una curiosa versión de la historia de Francia; una que parece interpretada por pequeñas compañías teatrales, donde los actores son siempre los mismos y los grandes conflictos no se resuelven, sino que se repiten: atrapados en un círculo que gira sin parar.
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Comisionado por el INA a cubrir las elecciones legislativas francesas de 1978 desde una perspectiva personal, Raúl Ruiz se vio puesto en un dilema: ¿quién es este cineasta al que le están pidiendo este encargo? ¿Soy yo o una de las tantas máscaras que he usado en mis filmes anteriores? Las infinitas variedades de la propia perspectiva, la forma de abordar un suceso real y los límites del documental como género comenzaron a chocar en su cabeza, e hicieron explosión.
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Tras filmar La vocación suspendida, Raúl Ruiz no estaba listo para abandonar el universo klossowskiano y arremetió de inmediato con una compleja ficción acerca de la naturaleza del arte, los símbolos que contrabandeamos en su interior, el esplendor y miseria de la crítica, el cine como laberinto y la mirada como trampa. El director acababa de abrir las puertas a un nuevo universo visual y no podía dejar de mirar.
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Es revelador que para su primer largometraje plenamente francés, Raúl Ruiz haya decidido adaptar un texto tan denso y clausurado como La vocation suspendue, de Pierre Klossowski. Algo había al interior de esta novela que le recordó al director sus pasadas aventuras en la política chilena, pero antes que todo era la chance de plasmar un universo poético sin concesiones y eso para Ruiz era algo irresistible.
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Para todos los efectos, el aporte de Ruiz a la serie de TV "Un hombre, un castillo" es la primera instancia en que Raúl firma una película como Raoul. ¿Se trata del momento de la conversión? Para nada: mucho del Ruiz que ya conocíamos está presente aquí, en los treinta minutos que dedica su film a observar en forma detenida, reflexiva y también ficcionada el castillo de Chambord.
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Sorprendido por un paro de la industria audiovisual en medio del rodaje de La vocación suspendida, su primer largometraje realizado directamente en francés, Raúl Ruiz usó la pausa para crear un corto usando casi exclusivamente imágenes fijas. El título refiere a una de las Novelas Ejemplares de Cervantes, pero como siempre nuestro cineasta se manda solo y bien por él: este Coloquio es un pequeño prodigio.
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Comisionado por el Comité Pro Refugiados Políticos de la ONU, este encargo llegó a Ruiz en un momento en que todavía no se insertaba como realizador en el medio francés. No sólo es un gran retrato humano de un amigo, el pintor Raúl Sotomayor, sino la primera vez en que se utiliza como tema la figura del artista, una preocupación que mantendrá hasta el final de su carrera. Gran descubrimiento, Sotelo.
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¿Qué diablos hacía Raúl Ruiz en Honduras, a fines del '74? Comisionado por el canal alemán ZDF para realizar una película en latinoamérica acerca de los dilemas del continente, el reciente exiliado en París realizó un trabajo que poco y nada tenía de turismo político cultural y que sólo le rinde cuentas a él mismo y a su poética. Era que no.
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Hija de las circunstancias, del estupor y el ardiente deseo de continuar haciendo cine pese a todo, la primera película de Raúl Ruiz en el exilio dejó en shock a buena parte de la comunidad de chilenos exiliados en Europa, pero hoy es un testimonio incalculable de esos días inciertos, de ese estar lejos, de ese no poder volver. Filme inmenso.
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Al adaptar la novela superventas de Lafourcade, Ruiz no sólo se enfrentó a un artefacto pop sino que además al desafío de hacer una lectura de tiempos borrascosos diseñada para consumo masivo. Y a la larga, tenía toda la razón: cuando la película por fin se estrenó, en 1992, fue el éxito que muchos previeron en aquellos lejanos días de su rodaje durante el otoño e invierno de 1973, en los instantes postreros de la Unidad Popular.
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De todos los proyectos emprendidos por Ruiz en su primera década artística, "El realismo socialista" acaso es el más fascinante y ambicioso: realizado en 1972, cuando la vorágine de la Unidad Popular aceleraba sin parar, la película puede ser leída como una foto descarnada del período y al mismo tiempo como resumen de todas las preocupaciones estéticas del realizador. Ahora, todo eso se hará más claro cuando se conozca la versión definitiva del film, actualmente en proceso de remontaje y restauración. Por ahora hay que conformarse con lo que se alcanza a ver en youtube.
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Con dinero y material sobrantes de Nadie dijo nada, a fines de 1971 un enérgico Raúl Ruiz filmó en sólo cuatro días uno de los proyectos más radicales de su carrera. Sabía que no llegaría a salas y sabía que ni siquiera podía exhibirlo de forma abierta a sus compañeros del Partido Socialista; de hecho, recién pudo montarlo en 1974, en París. Aún así, La expropiación es casi un ejercicio de clarividencia: la clase de películas que se realiza en momentos de extrema lucidez.
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Los misterios de la noche Santiaguina, el mundo y el trasmundo, las vidas de los jóvenes poetas... Mucho de lo que obsesionaba a Raúl Ruiz se da cita en Nadie dijo nada, acaso el filme más ambicioso que intentó en sus primeros años como director. Irónicamente, el financiamiento de la Radiotelevisione Italiana (RAI) impidió a principios de los años 70 su estreno en Chile (donde nunca se ha exhibido formalmente). Mala cosa: es un film formidable.
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Descubierto en Italia, tras años de considerarse perdido, el cortometraje que Raúl Ruiz realizó durante el viaje de Allende a Temuco, en marzo de 1971, es tanto documento histórico como mirada frontal y actual al pueblo mapuche. Sólo eso debería bastar para darle a "Ahora te vamos a llamar hermano" un lugar clave en nuestra cinematografía, pero, como siempre ocurre con nuestro director, aquí hay más, mucho más.
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Para Ruiz, filmar era casi como respirar. Así, no extraña que la aventura gringa de Qué hacer fuera sólo el aperitivo de una compulsiva serie de rodajes efectuados a toda velocidad, con mínimo presupuesto y sobreabundancia de ideas. El primero de ellos fue La colonia penal, fascinante película realizada casi al final de 1970, y que inicia la intensa reflexión de nuestro director en torno al proceso de la Unidad Popular. Eso sí, ojalá hubiera una mejor copia disponible: es un film que necesita ser rescatado. Urgente.
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En la cuarta entrega de estos diálogos, Raúl Ruiz se convierte -brevemente- en socio de unos gringos que vienen a filmar una película sobre el proceso chileno en plenas elecciones presidenciales de 1970. El resultado fue toda una aventura, pero Ruiz nunca la incluyó dentro de su canon de obras ni se interesó por ver esa película que -a medio siglo de distancia- emerge como una extraña cápsula del tiempo.
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En su tercera conversación, Pinto, Quintín y Ramírez se paran frente a frente con el primer largo terminado por Raúl Ruiz. A medio siglo de distancia, uno tiende a mirarle como si fuese un monumento, pero en 1968 Tres Tristes Tigres era un nuevo intento del realizador -ahora de 27 años- por dejar su marca en un cine chileno que apostaba por vientos de renovación. El resultado hizo historia, como veremos.
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En esta segunda entrega de su Encuentro Infinito con Raúl Ruiz, Quintín, Ramírez y Pinto discuten sobre el proyecto que por años fue considerado el eslabón perdido en la obra inicial de nuestro cineasta. Restaurado, sonorizado y reelaborado, El tango del viudo y su espejo deformante es un filme que sigue la ruta del material original, pero también es objeto de desvíos en la ruta. ¿Cuáles? ¿De qué tamaño? Veamos.
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Enorme y elusiva, la filmografía de Ruiz incluye películas perdidas e incompletas. Hasta ahora llevamos localizadas unas ochenta de un conjunto que supera las cien; pero es posible, como ya viene ocurriendo, que las perdidas aparezcan algún día y las incompletas se terminen.
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El Agente Cine es un sitio de crítica, diálogo y reflexión en torno al cine contemporáneo. Nuestro principal foco es reseñar la actualidad del cine chileno, tanto comercial como independiente.
