El desarrollo del relato es sutil, con un enfoque preciso, pero no sobrecalculado, que cuida cada componente como si fuese un meticuloso artesano trabajando en una pieza muy preciada. Sciamma no solo opta por dejar de lado las aclaraciones y los subrayados innecesarios, sino que prescinde casi completamente de una de las bases de la narración: el conflicto.
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Sea como sea, La tragedia de Macbeth aparece como un punto singular en la carrera del cineasta, un verdadero cambio dentro del estilo que cultivó durante tres décadas. Es decir, es mucho más que una simple variación en los nombres que aparecen en los créditos del largometraje.
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De manera similar a otra cinta francesa de la década pasada, Intouchables (2011) de Olivier Nakache y Éric Toledano, el encanto que transmite CODA es el resultado de un cuidadoso diseño narrativo. Cada rama de la obra tiene un propósito y una razón de ser, los que en última instancia buscan obtener una respuesta emotiva por parte de los espectadores. La película ocupa un lugar intermedio entre el cine mainstream y el independiente, entre lo comercial y lo artístico, entre lo inofensivo y lo desafiante.
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Mientras otros trabajos abordan los aspectos negativos de la maternidad desde la exageración y la caricatura, esta cinta evita recurrir a la locura y a la maldad para explicar lo que pasa con la protagonista. No hay respuestas definitivas sobre las motivaciones de Leda, que puede estar actuando por impulsos tan diversos como el tedio o incluso los rasgos sociopáticos. Lo cierto es que se trata de un personaje que transgrede los roles de género, que no cumple con las expectativas que se espera de quienes son madres.
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Por la naturaleza de esta obra, lo estrafalario se anticipa a cualquier intento de sutileza. No es de extrañar, entonces, que los temas abordados por el guion sean tan transparentes y hasta obvios en su planteamiento. Ese carácter directo puede ser arriesgado sobre todo en historias que intentan denunciar problemas del mundo en el que vivimos, porque a pesar de las buenas intenciones está el peligro de caer en el sermoneo y provocar el rechazo de los espectadores. El sarcasmo de la película, sumado a lo franca que es a veces al momento de describir el pesimismo de nuestro panorama, …
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El peligro presente en la cinta es difuso, subterráneo. Somos conscientes de él gracias a la narración que nos advierte sobre su presencia, pero también a través de la atmósfera que la directora crea gracias a la fotografía y la banda sonora. Es poco lo que los personajes pueden hacer ante la amenaza que los acecha, que actúa como una fuerza invisible capaz de anular el libre albedrío de los individuos.
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No es habitual que las películas vinculadas a la ciencia ficción, la fantasía, la acción o el terror sean valoradas por festivales tan prestigiosos como Cannes, una premisa que involucra insectos carnívoros podría haber sido ideal para una olvidada película de serie B, de esas que estaban décadas atrás en los estantes de algún videoclub con una llamativa portada que prometía grandes dosis de violencia. Los guionistas Jérôme Genevray y Franck Victor, sin embargo, optaron por un camino muy diferente, que prefiere la meticulosidad para instalar una base humana en la cinta que luego dará paso al terror.
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Es como un viejo episodio de La dimensión desconocida, cuya premisa es capaz de sostenerse a sí misma para atraer a los espectadores. Shyamalan, además, cuenta con el talento necesario para manejar un escenario como este, si nos basamos en lo que mostró con sus mejores trabajos, El sexto sentido y Unbreakable, sin embargo, el director no aprovecha del todo la buena premisa que tenía a su disposición.
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Seligman decidió ambientar casi toda la historia en un solo lugar, la casa donde se realiza el shiva. Ese camino, a su vez, implica un desafío narrativo, ya que si no es ocupado de forma hábil la repetición del mismo espacio puede resultar monótono. Afortunadamente, la obra evita dicho problema con un ritmo fluido y un muy buen ojo para los detalles. Gran parte de la cinta gira en torno a interacciones sociales, costumbres, convenciones tácitas y apariencias, es decir, las texturas de los acontecimientos que dan forma a la trama. La directora maneja con destreza estas situaciones, creando un …
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La reacción de la mujer no consiste en buscar venganza. Como otro aspecto que la diferencia del cine de gangsters tradicional, la cinta prefiere privilegiar la dimensión más íntima del relato, que se desenvuelve como un estudio de personajes. Parte importante de la obra se encarga de mostrar la evolución que experimenta el vínculo entre Qiao y Bin, que con el paso del tiempo y diferentes locaciones presenta unos movedizos encuentros y desencuentros.
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Aunque la decisión ya está tomada y el panorama que enfrentan las jóvenes es desolador, Akelarre no se limita a transitar el camino de la miseria. Su gran innovación es que intenta subvertir la dinámica de poder entre perseguidor y perseguido, otorgándoles una mayor iniciativa a las protagonistas, quienes lideradas por Ana deciden aprovechar el miedo y fascinación que provocan en los inquisidores para ganar tiempo. El relato, entonces, adquiere tintes de thriller, convirtiendo la experiencia de las mujeres en un tenso esfuerzo por resistir hasta que llegue ayuda.
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Lo que en otras películas puede ser una mera preocupación superficial, acá es utilizado como un elemento fundamental de la narración. La capacidad expresiva del diseño de producción nos afecta primero de una forma casi imperceptible, pero luego se hace más evidente cuando los cambios en el departamento adquieren mayor protagonismo. Sin el tacto suficiente, una técnica como esa podría haber resultado forzada y pretenciosa, pero Zeller logra darle sentido y la mantiene al servicio de lo más importante: la historia. Con una visión como esa, tan consciente de los elementos cinematográficos y del equilibrio entre forma y sustancia, es …
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A través de sospechas y pistas que surgen a medida que los minutos avanzan, empezamos a descubrir los oscuros secretos que esconde Diane, cuyas motivaciones apuntan a un objetivo mucho más drástico que simplemente proteger a su hija. La obstinación de la mujer y su afán por controlar el destino de la joven hacen recordar ciertos elementos de la novela Misery de Stephen King, un autor cuyos trabajos reciben un par de guiños claros en la cinta.
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Son varios los elementos que entran en juego en el desarrollo de esta obra, como la violencia, la sexualidad, las jerarquías de poder y la relación entre arte y mercado, pero una de las dimensiones más importantes de La madre del blues está vinculada al componente racial de la sociedad estadounidense. Ya desde los primeros minutos la película enfatiza ese aspecto del relato, al mostrar a dos hombres de raza negra corriendo por un bosque de noche, como si estuviesen escapando de algo. La impresión inicial es alterada segundos después, cuando la cinta nos muestra que en realidad querían apurarse para …
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Existen películas ilustres que son protagonizadas por individuos reprochables, historias que nos obligan a acompañarlos en sus viajes y a ser cómplices de sus experiencias. Un punto recurrente en esas obras es que tales personajes han sido tradicionalmente hombres, así que la aparición de Descuida, yo te cuido surge como un caso novedoso. No son muchas las diferencias entre Marla y el Henry Hill o el Jordan Belfort que retrató Martin Scorsese, por ejemplo, siendo todos ellos exponentes de un capitalismo salvaje, que privilegia el dinero por sobre consideraciones de cualquier otro tipo. Esa ansia por ganar, por diferenciarse de …
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La directora australiana Kitty Green, que también escribió el guion, refleja en su obra algunos de los elementos que caracterizaron al caso Weinstein, pero prefiere no limitar el relato con nombres reconocibles ni con las barreras narrativas del “basado en hechos reales”. Más que adaptar situaciones concretas, lo que busca capturar es un contexto determinado, es decir, aquel ambiente que permite este tipo de conductas. De hecho, el foco de la cinta no se encuentra sobre el victimario, del cual nunca vemos su rostro, ni sobre las víctimas, que aparecen de manera fugaz por la pantalla y cuyas experiencias no …
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Uno de los objetivos de Marder consiste en transmitir a los espectadores lo que está viviendo Ruben, para hacernos partícipes de su experiencia. A través de un diseño de sonido que amortigua y distorsiona esa dimensión de la realidad, el director crea algunas escenas en las que estamos obligados a compartir las sensaciones del protagonista, a ponernos en sus zapatos. La película va intercalando estos momentos con otros donde los sonidos se oyen de forma normal, lo que también es acompañado de un cambio en los tipos de planos utilizados -con unos encuadres más reducidos cuando escuchamos lo que el …
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La tarea de Sergio debe guiarse por un enfoque investigativo, pero al igual que Alberdi su inclinación natural lo lleva hacia lo intangible. Aunque sus primeros reportes van en la línea de lo que Rómulo le encargó, el protagonista no tarda en informar sobre cosas más líricas, como la descripción de colores, emociones y sensaciones. Por eso, podemos crear un paralelo entre la labor de la directora y la de este personaje, quienes comparten una inclinación por lo humano y por las cosas difíciles de categorizar. La sensibilidad de Sergio lo convierte en uno de los grandes descubrimientos de la …
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Lo que generó la controversia fue la premisa de la cinta, que consiste en un grupo de personas adineradas, cuya ideología política se acerca al progresismo, quienes participan en una cacería humana donde los perseguidos son gente de ideas conservadoras. La situación fue interpretada por sectores de la derecha estadounidense como una película que celebraba aquella persecución, pero ese tipo de análisis pasa por alto algunos aspectos básicos de las obras narrativas, ya que en historias como ésta el llamado de los realizadores no es a identificarnos con los asesinos, sino que con los perseguidos.
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Iniciamos nuestros reportes de la 16° edición de SANFIC, con la coproducción argentino-chilena De la noche a la mañana, comedia que no se desenvuelve en términos convencionales, prefiriendo en cambio una perspectiva sutil, donde los chistes específicos son reemplazados por una atmósfera que apela a lo incómodo. Si bien hay elementos que pueden servir como base para que el relato se adentre en lo absurdo, se mantiene en un terreno sobrio, donde los matices adquieren una mayor importancia. Hay momentos en que las equivocaciones vividas por el protagonista recuerdan a los hermanos Coen de Inside Llewyn Davis.
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Aunque tiene una clara conexión con la ciencia ficción de mediados del siglo XX, The Vast of Night evita caer en el simple collage de influencias y guiños triviales. Más allá de un innecesario marco narrativo que hace recordar a series de televisión como The Twilight Zone, la obra se encarga de construir su propio estilo y ritmo. El guion maneja con destreza los elementos que estaban al alcance de esta producción de bajo presupuesto, prefiriendo las insinuaciones, las sutilezas, por sobre lo aparatoso. La historia avanza de forma meticulosa, dotada de la paciencia necesaria para levantar la intriga de …
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La cinta destaca no solo por la mezcla de géneros que entrega, desde la ciencia ficción hasta elementos del cine de terror, con algunas muestras de gore, sino también por la capacidad metafórica de su historia. Así como en el cine de George A. Romero los zombies eran casi una excusa para revelar los defectos de la humanidad, rasgos que salían a flote durante las situaciones límite, en El hoyo el mecanismo diseñado para alimentar a los prisioneros no es lo suficientemente brutal sin el egoísmo de las mismas personas. Es un dispositivo que aprovecha los peores aspectos de la naturaleza humana para usarlos en …
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Este tipo de cinta escapa de los trabajos que Haynes creó anteriormente, como la poco convencional interpretación que hizo de la figura de Bob Dylan en I’m Not There (2007) o el evocador romance de época que es Carol (2015). La estilización y hasta lirismo que se notaba en aquellas obras son abandonados en esta nueva película, donde las reglas de los dramas judiciales, la meticulosidad de la investigación que lleva a cabo el protagonista y los tecnicismos involucrados llevan al director a adoptar una estética más sobria, más aterrizada.
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En una película como esta, donde el destino de los personajes está muy sujeto al lugar en el que se encuentran y a las condiciones físicas que los rodean, la meticulosidad que Eggers demuestra por los detalles de la ambientación resulta de gran ayuda. El carácter táctil que logran crear las imágenes de El faro no se deben solo al diseño de producción de Craig Lathrop, sino también a la fotografía de Jarin Blaschke, quien para contribuir a ese efecto filmó en formato físico, con película real, no digital, algo que no fue sencillo en términos prácticos debido a la …
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Aunque la película se esfuerza por crear una experiencia inmersiva, en la que el montaje debe pasar desapercibido para el público y la cámara trata de convertirse en una presencia casi etérea entre la acción, es muy difícil desprenderse del proceso que permitió lograr las imágenes que vemos en la pantalla. La espectacularidad del resultado y su gran nivel de producción genera un resultado paradójico, en el que tratamos de ir viendo aquellos detalles que la cinta quiere camuflar, como los cortes que unen de manera invisible sus diferentes tomas o la coordinación que requirieron sus complejas secuencias. Nuestra atención …
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Bong Joon-ho ya había explorado algunas ideas relacionadas con la desigualdad en su película de ciencia ficción Snowpiercer (2013), donde el relato también estaba moldeado por las consideraciones espaciales del lugar en el que transcurría la historia. Si en aquella obra la acción tenía un claro recorrido horizontal, que avanzaba de izquierda a derecha, en Parasite el eje gira y la verticalidad pasa a ser la regla. Las múltiples escaleras en la casa de los Park, ubicada en un iluminado barrio en la parte alta de la ciudad, y el departamento subterráneo de los Kim, que por contraste está al …
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El estreno lleva a AFA por primera vez fuera de Chile, para filmar una obra en República Checa, hablada en checo y con actores de aquel país. Exhibida en el último Festival de Cine de Valdivia, la estética monocromática de este trabajo presenta una fuerte conexión con el cine europeo de los años 60 y surge como una inesperada bifurcación en la carrera del director, que se compromete de lleno con esta particular visión.
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La iniciativa particular adquiere una importancia fundamental en los relatos de Clint Eastwood, donde lo colectivo pasa a ocupar un rol más secundario, representando a las víctimas que los protagonistas deben proteger o a los enemigos que tienen que derrotar. Sus personajes principales no siguen a la masa, sino que actúan guiados por un impulso que nace de ellos mismos, recibiendo en algunos casos el cuestionamiento o las sospechas del resto de las personas, que no siempre comprenden lo que hicieron.
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Esta película marca la primera colaboración cinematográfica de Ian McKellen y Helen Mirren, lo que se convierte en otra de las gracias de la obra. No es habitual ver cintas protagonizadas por actores de la tercera edad, mucho menos thrillers, pero sus interpretaciones le dan a El buen mentiroso la vitalidad suficiente para despejar las dudas que alguien podría tener antes de verla, al menos desde el punto de vista de las actuaciones. Dado que nuestra perspectiva como espectadores está más ligada a Troy, es McKellen quien tiene más posibilidades de mostrar su talento, y lo que hace es admirable.
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Reconocer que los animales pueden actuar guiados por parámetros distintos al simple instinto, y que además poseen una individualidad propia que los distingue del resto, puede tener un efecto importante en términos narrativos, ya que permite verlos como algo más que simples componentes de la naturaleza, pasando a ser verdaderos personajes. Ese pensamiento explica que exista un documental como Los Reyes, dirigido por Bettina Perut e Iván Osnovikoff, donde la atención del relato está posada sobre dos perros callejeros que no son relegados a un rol accesorio ni a un telón de fondo de la obra, sino que ocupan la …
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A diferencia de los anteriores trabajos de Larraín, que tenían una paleta de colores más apagada y sobria, en Ema las tonalidades vibran gracias a un diseño de vestuario extravagante, una dirección artística con personalidad y una iluminación expresiva. La realidad que busca crear Larraín con esta película es una que se aleja del naturalismo mesurado, prefiriendo en cambio un resultado más vehemente. Incluso en los diálogos se nota un dinamismo en los registros utilizados.
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A pesar de no ser una obra tan sobresaliente, Boda sangrienta logra brillar gracias a un aspecto que le debe más a su actriz principal que a los méritos del guion y de la dirección. Samara Weaving le otorga una gran dosis de carisma al personaje de Grace, que presenta méritos suficientes para unirse a otras protagonistas clásicas del cine de terror.
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El Agente Cine es un sitio de crítica, diálogo y reflexión en torno al cine contemporáneo. Nuestro principal foco es reseñar la actualidad del cine chileno, tanto comercial como independiente.
